Good example: Dima Filippov’s personal exhibition “Krai” at ART4

ДИМА ФИЛИППОВ: «В общей сложности на выставку "Край" ушло около 6 месяцев. Работать в той технике рисования, что на ней представлена, я начал в 2021 году. Во всей своей практике я доверяю случаю и тогда — два года назад — мне досталась тонкая бумага литовского производства, на которой я пробовал рисовать первым, что попадалось под руку, в том числе цветными карандашами. До этого я уже ими рисовал и использовал технику растушевки, но те вещи мне представлялись слишком наполненными, иллюстративными. Здесь же случилось попадание — мне приносило удовольствие само сочетание материалов. Бывает так, что ты попадаешь в такую местность или в такой свет, где все твои действия оказываются точны. Иногда даже обидно: условный час работы становится сильнее всего того, что ты делал до этого. Но можно посмотреть на это и с другой стороны: как на результат поиска и умение поймать тот самый час.

Для меня рисунок отчасти является продолжением фотографии, работой на открытой местности. Поэтому время, которое я трачу на рисунок не может быть слишком долгим — я просто теряю интерес. Со временем мне понравилось называть свою художественную практику сессиями: если я взялся рисовать, то я рисую каждый день, в несколько подходов в течение недели-двух, а перерыв затем может занимать длительное время. При подготовке выставки мои перерывы были чуть короче, а итоговых подходов интенсивного рисования понадобилось около четырех.

Важным вызовом для меня на выставке стало увеличение размера рисунка. Обычно я работаю с небольшими форматами, в которых одно движение кисти руки может охватить почти весь лист. Здесь же механика изменилась, и мне было важно понять, смогу ли я совершить переход на такой формат и сохранить найденную технику. Поиск той самой бумаги стал отдельным занятием. Я перепробовал больше 10 различных вариантов — каждый из них обладал своими характеристиками, способностью удерживать цвет. В итоге на выставке я работаю с двумя видами бумаг — их можно отличить по степени интенсивности цвета. То же самое можно сказать и про карандаши. До этого я рисовал на небольших форматах, используя детские карандаши, здесь же я усложняю работу с цветом, ищу и пробую различные доступные варианты разных производителей — каждый из них обладает своим характером, цветностью и так далее.

Создавая работы, я думал и об оформлении. Те решения, которые существуют на рынке мне не подходили по ряду причин. Мне хотелось материала и конструктива, которого лишены стандартные багетные решения. В итоге я остановился на раме-пенале, идея которой была вдохновлена найденным мной советским ящиком для шурупов.

Выставка задумывалась мной как конструктор: в экспонировании рисунков нет одного верного решения, рисунки уже самодостаточны и, перемешивая их между собой, можно менять лишь небольшие смысловые оттенки. В рисунки встроена защита от плохого экспонирования: за счет общей линии оформления и использования одного и того же размера их можно вешать как угодно и где угодно — я уверен, что они не проиграют от этого. Само название выставки, "Край", также универсально — оно сшивает как географию, так и состояние.

Я описываю эти нюансы в том числе для того, чтобы показать, насколько важен сам процесс и увлеченность работой. Эта выставка отличается от всех моих предыдущих именно этой погруженностью в материал и сам рисунок. К выставке вместо кураторского текста я написал комментарий, где подсветил мотивы этого перехода. Я не буду здесь повторяться. Скажу лишь, что обладая опытом работы с разнообразными пространствами, я также понимаю, что у каждой площадки есть своя специфика, и рисунок в какой-то мере стал универсальным языком, понятным и уместным как в моей линии, так и в линии музея. Немаловажную роль сыграло общение с Лизой Бобковой, Дашей Ярцевой и Игорем Маркиным.

В конце добавлю, что "Край" — тот редкий случай, когда выставку можно смотреть без меня. Я надеюсь, что мне удалось избавиться от необходимости своего присутствия».